Comment commencer

Comment dessiner

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Apprenez à dessiner et vous ne serez plus jamais les mêmes

Les grands artistes savent qu'ils ne peuvent jamais se permettre de laisser derrière eux leurs techniques de dessin s'ils espèrent continuer à grandir et à affiner leur travail. Cela vaut pour les illustrateurs, architectes, peintres, sculpteurs, designers, même les tatoueurs! Le dessin est l'épine dorsale de l'art, permettant aux artistes non seulement de voir, mais record ce qu'ils voient en ligne et en ombrage, contour et geste.

Ce qui est le plus excitant d'apprendre à dessiner, c'est qu'il y a tellement de possibilités de poursuite. Un artiste peut rejoindre un programme de dessin spécialement conçu pour dessiner à partir de la vie, faire des études rapides et des sessions plus longues pour capturer le mouvement et le geste d'un modèle vivant. Ou on peut poursuivre le dessin comme une étude personnelle, prendre du papier et un stylo (ou un crayon) et aller au monde pour simplement esquisser. Il peut vous permettre d'apprendre à dessiner avec différents supports: graphite ou crayon, fusain, pastel, plume et encre et plus encore.

Mais si un artiste souhaite maîtriser comment dessiner des objets et des figures réalistes à chaque fois qu'il met du papier sur le stylo, il y a des techniques de dessin sur lesquelles il faut se concentrer. Viennent d'abord l'observation et la coordination œil-main, afin que nous entraînions l'œil à interpréter ce que nous voyons de manière sensée lorsque nous dessinons, quel que soit notre sujet. Ensuite, un artiste peut commencer à apprendre à dessiner des figures et leurs actions et poses. Des cours de dessin de vie suivront, ainsi que des dessins dans un carnet de croquis sur une base fréquente. C'est la vie des artistes de dessin - revenir et utiliser le dessin au quotidien. C'est un engagement, mais les récompenses apprennent à dessiner quoi que ce soit!

Comment Dessiner une grande peinture

"L'une des principales raisons pour lesquelles les peintres ont des ennuis est que leurs images n'ont pas une base solide de dessins précis et expressifs", explique l'artiste new-yorkais Jon DeMartin.

«Le dessin fait partie intégrante du processus de création d'images», explique DeMartin. «Il offre l'occasion d'explorer des variantes du sujet. Un artiste peut se passionner pour une idée et se précipiter tête baissée dans la peinture sans préparation adéquate pour découvrir - souvent beaucoup trop tard - que l'idée ne peut pas être maintenue tout au long du processus. En prenant le temps d'exécuter des dessins préparatoires, un artiste peut soigneusement examiner et distiller les idées et ainsi prendre de meilleures décisions créatives. »

La meilleure partie des ateliers de dessin de DeMartin est qu'ils offrent aux étudiants une gamme d'approches au dessin figuratif, chacune pouvant aider avec des aspects particuliers de la création d'images. Par exemple, il demande aux élèves de commencer chaque journée avec des dessins gestuels rapides qui mettent l'accent sur les aspects spontanés et linéaires de l'enregistrement d'une pose active dans un dessin au trait.

«Les poses courtes d'une à 45 minutes ont tendance à être davantage axées sur la ligne et le geste, et les longues (une heure ou plus) concernent la forme et le volume», explique-t-il. «En raison des contraintes de temps, toute modélisation extensive avec des valeurs est difficile à faire, donc plus je peux faire de volume express de ligne, mieux c'est.» Lorsque des artistes passent des heures ou des jours à travailler à partir de la même pose, leurs dessins deviennent des analyses de valeurs liées à des formes passant de la lumière à l'ombre.

«Ces deux approches pour dessiner la figure peuvent être bénéfiques pour les peintres, mais elles peuvent également conduire à leurs propres problèmes», explique DeMartin. «Les artistes qui ne font que des dessins gestuels courts produisent souvent des images stylisées qui sont des réponses plutôt que honnêtes aux modèles individuels. Inversement, les artistes qui ne font que des dessins qui prennent des mois à terminer se retrouvent souvent avec des observations mécaniquement précises qui manquent de contenu émotionnel. En combinant les deux approches, l'artiste a de meilleures chances de pouvoir faire à la fois des évaluations rapides de la façon dont les personnages se déplacent dans l'espace ainsi que des observations précises qui évoquent l'essence de la personne dessinée.

DeMartin recommande aux artistes d'utiliser des matériaux de dessin différents mais la même posture lors de la réalisation de ces deux types de dessins. "Le dessin doit être fait à partir d'une position debout avec le bras tendu pour que le mouvement vienne de l'épaule, pas seulement du poignet", indique-t-il. «Les artistes devraient pouvoir voir à la fois la surface de dessin et le modèle dans leur champ de vision.»

DeMartin explique qu'il n'y a pas qu'une seule approche recommandée pour le dessin ou la peinture. La chose cruciale pour les artistes à retenir est qu'une certaine quantité de dessin aidera à sélectionner les éléments d'une image, à établir la composition des lignes et des valeurs et à résoudre les problèmes potentiels.

La source: Adapté d'un article de Steve Doherty

Techniques de dessin: ligne et ombre

Voici quelques conseils de l'artiste et instructeur Jon DeMartin pour apprendre à dessiner avec des lignes et des contours ou des ombres et des tons.

Ligne: L'objectif principal dans la réalisation de croquis rapides est de capturer des actions rythmiques. Trouvez l'action avant les contours car sans ce sens du mouvement, le dessin perdra son flux rythmique. Si le temps le permet, introduisez progressivement la structure en conceptualisant l'orientation de la tête, de la cage thoracique et du bassin dans l'espace à l'aide de lignes médianes verticales et horizontales. L'accent est davantage mis sur le squelette du corps que sur les muscles.

Ombre: Les ombres guident l'artiste dans la comparaison des autres valeurs qui sont en lumière, alors mettez-les en premier. Créez une valeur plate pour les lumières (le blanc du papier) et une valeur plate pour les ombres avec des lignes hachurées qui produisent un ton clair. La valeur n'est pas une préoccupation, seulement l'interprétation graphique du motif d'ombre. Il est important de reconnaître quelles formes sont dans l'ombre et lesquelles ne le sont pas parce que les artistes confondent souvent les valeurs sombres à la lumière avec les ombres.

Ligne: Les lignes décrivant les caractéristiques peuvent traverser les parties du corps car elles soulignent le flux des formes et la relation d'une forme à l'autre. Si un bras traverse le corps, par exemple, l'artiste doit d'abord dessiner les lignes continues du corps, puis dessiner le bras sur cette section du corps. Le but est de capturer l'action et le contour et de laisser les subtilités venir plus tard.

Ombre: Apprendre à dessiner ou à développer les ombres signifie travailler de manière additive, construire des couches de charbon de bois. Frottez d'abord une masse uniforme et plate d'ombres, puis utilisez une souche de charbon de bois pour faire fondre les ombres dans le papier. Cela sert de juxtaposition agréable aux valeurs dans la lumière, qui sont plus spontanément dessinées avec des hachures. Sur des poses plus longues, l'illusion tridimensionnelle du dessin s'exprime principalement par des valeurs de lumière et d'obscurité. Les plans de la forme qui s'éloignent de la source de lumière s'assombrissent à l'approche de la ligne d'ombre. Ce sont les gradations de valeur sur la forme qui véhiculent l'illusion de rondeur. Plus la forme est arrondie, plus les dégradés s'étalent.

La source: Adapté d'un article de Steve Doherty sur les techniques de dessin de Jon DeMartin.

Apprenez à dessiner des bords

Les lignes de contour sont un mensonge utile qu'un dessinateur utilise pour indiquer le bord d'un formulaire dans un dessin au trait. En vérité, nous ne voyons pas une ligne marquant le bord d'un visage, nous voyons simplement où la forme s'éloigne de la vue. Tracer une ligne continue sur le bord des éléments suggère des formes, pas des formes - un dessinateur doit prendre soin d'impliquer les autres plans non visibles du point de vue du spectateur. De plus, se concentrer simplement sur les lignes de contour peut distraire un artiste de la tâche importante de représenter le geste du modèle, qui rayonne généralement de l'intérieur d'une figure. Pour cela et pour d'autres raisons pratiques, la manipulation des bords par un artiste est très importante pour qu'un dessin soit convaincant.

Les courbes sont difficiles à restituer avec précision. De nombreux instructeurs de dessin recommandent d'utiliser uniquement des lignes droites pour les bords, en les adoucissant en courbes si nécessaire plus tard. Si vous pensez que c'est une béquille pour débutant, considérez comment Rubens, un maître dessinateur, a utilisé cette méthode.

Les bords font une grande partie du travail en suggérant la profondeur. Une ligne épaisse fait avancer la forme et une ligne fine et légère peut indiquer un plan reculant à l'arrière-plan. Mais les bords ne sont pas seulement des lignes. Dans les pièces plus tonales, un bord plus dur et un contraste marqué entre les plans créent une forme plus proche du spectateur que celle avec un aspect plus doux et plus léger. Ceci est essentiel pour les ombres projetées - une ombre est plus nette au point où elle touche l'objet qui la projette, et elle se diffuse lorsque l'ombre s'allonge loin de l'objet. Dans son dessin, Hommes marchant dans un champ, Seurat a fait avancer la figure la plus proche dans le plan de l'image en augmentant le contraste entre les plans plus sombres et les plans plus clairs et en utilisant des bords plus durs sur cette figure.

Dans son livre Maîtriser le dessin de la figure humaine de la vie, de la mémoire et de l'imagination, Jack Faragasso souligne qu'il faut toujours être conscient que les bords les plus importants sont ceux qui indiquent des motifs clairs et foncés. Il utilise comme exemple les colliers à volants épais qui apparaissent souvent dans les peintures de Rembrandt - les bords importants de ces colliers ne sont pas les torsions et les plis individuels, mais plutôt le bord de l'ombre lorsque le collier se déplace vers la lumière. Décrire efficacement cette ligne fera plus pour rendre la fraise convaincante qu'une centaine de lignes détaillées.

Où positionner votre dessin sur la page

Vous pouvez toujours placer le sujet de votre dessin au trait ou dessin au contour smack dab au milieu de la page. Il fait une déclaration forte et, dans certains cas, exprime le plus clairement comment vous voulez que le spectateur expérimente la pièce. Mais placer le sujet ailleurs dans la composition peut faire fonctionner l'arrière-plan pour vous et créer des tensions intrigantes, suggérer un récit et guider l'œil vers le point focal d'une manière plus subtile.

Le terme français mise en page (traduit littéralement, «placement sur la page») est parfois utilisé en référence à ce concept, mais l'idée a ses racines dans une histoire beaucoup plus ancienne - la prise en compte par les artistes de cet aspect de la composition est généralement supposée provenir de la Renaissance. À l’époque de Watteau, son importance dans la démarche d’un artiste était solidement établie, et aujourd’hui il est presque inconcevable qu’un artiste qui travaille néglige sa manipulation soigneuse.

Notre tendance naturelle est peut-être de placer le sujet au centre de la composition, en lui accordant l'attention qu'il mérite au milieu de notre «scène», mais cela ne reflète pas avec précision la façon dont nous considérons habituellement le monde. À moins que nous ne soyons extrêmement proches de notre sujet, il y a beaucoup d'informations qui nous parviennent dans notre vision périphérique. Nous expérimentons tout dans son contexte, et ce contexte influe sur la façon dont nous interprétons le point focal. En tant que tiroirs, nous devons lutter contre ce qui semble automatique et vraiment observer toute la scène pour décrire avec précision les tableaux.

Periklis Pagratis, le président des études de base au Savannah College of Art and Design, enseigne à ses étudiants les bases du dessin et au-delà, y compris l'idée que lors de la conception d'une composition, ils devraient considérer le sujet comme la tête de Méduse - ne le regardez pas directement ou vous vous transformerez en pierre (ou votre dessin le fera, au moins). L'espace négatif autour du sujet devrait jouer un rôle essentiel dans votre composition. Il y aura suffisamment de temps pour examiner de près le sujet lui-même lorsque le moment sera venu de le rendre.

Parcourez n'importe quel livre d'art et vous êtes sûr de voir de merveilleux exemples de mise en page convaincante. Examinez n'importe quelle peinture ou dessin dans lequel le point focal est ostensiblement placé loin du centre de la composition, puis imaginez comment la pièce fonctionnerait différemment si le sujet était au point mort sur la page. Vous verrez facilement comment les meilleurs artistes font pour eux une mise en page efficace.

La source: Adapté d'un article de Bob Bahr


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