Histoire de l'art

Binge! Les fêtes culinaires de l'histoire de l'art

Binge! Les fêtes culinaires de l'histoire de l'art



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La corne d'abondance d'un artiste d'œuvres d'art magnifiques, étranges et parfois grotesques mettant en vedette des produits comestibles

Que la fête commence. Comme beaucoup d'entre nous se préparent, ou sont déjà en plein milieu de cette saison de vacances, de fêtes et de plaisir, nous avons décidé de nous régaler d'abord avec une vitrine digne des bouffées gastronomiques de l'histoire de l'art! C'est une corne d'abondance d'artiste d'œuvres d'art magnifiques, étranges et parfois un peu grossières mettant en vedette des produits comestibles.

Fête en solo

Annibale Carracci’s Le mangeur de haricots est une représentation d'un personnage rude et dégringolé assis devant un repas copieux. Les yeux regardant directement vers l'extérieur, il y a une attente implicite que vous, le spectateur, partagez son espace et l'heure du repas, peut-être à une table d'en face.

Les mangeurs de pommes de terre

Un souper sombre et grossier du post-impressionniste Vincent Van Gogh, Les mangeurs de pommes de terre est différent des chefs-d'œuvre de paysages colorés du peintre. L'artiste s'est concentré sur la pauvreté et la réalité des paysans à table. Dans une lettre, Van Gogh décrit:

«Vous voyez, j'ai vraiment voulu faire en sorte que les gens aient l'idée que ces gens, qui mangent leurs pommes de terre à la lumière de leur petite lampe, ont eux-mêmes labouré la terre avec ces mains qu'ils mettent dans le plat, et donc cela parle de travail manuel et - qu'ils ont ainsi honnêtement gagné leur nourriture. Je voulais qu'il donne l'idée d'un mode de vie complètement différent du nôtre - des gens civilisés. Je ne veux donc certainement pas que tout le monde l'admire ou l'approuve sans savoir pourquoi. "

Mangez comme un Egyptien

Les hiéroglyphes égyptiens dépeignent l'agriculture à son plus ancien. La nourriture était un pilier de la décoration des tombes, car qui veut avoir faim dans l'au-delà? Une tombe présente un couple en train de planter et de récolter. D'autres tableaux montrent des personnages dans des moments d'agriculture similaires. D'autres encore représentent des domestiques transformant des plateaux de poisson, de fruits et de gibier.

Il s'avère également que les céréales, malgré l’art contraire, constituaient l’essentiel du régime alimentaire de l’Égyptien de 3500 avant JC à 600 après JC, avec peu de viande et étonnamment peu de poisson, compte tenu également du Nil.

Une autre peinture ancienne de la vallée de l'Indus voisine montre une figure féminine appréciant les fruits du travail (probable) de quelqu'un d'autre alors qu'elle accepte une boisson d'un accompagnateur debout.

Fête sacrée

Un faible éclairage d'ambiance obscurcit presque l'action de la peinture du Caravage de 1601 représentant la Cène à Emmaüs. La figure centrale du Christ vient de se révéler nonchalamment à ses adeptes de la restauration et ils - les bras levés, bondissant hors des chaises - commencent à paniquer. Cela signifie se lever d'une table soigneusement dressée par l'artiste.

Remarquez comment le Caravage intensifie le drame (et montre ses compétences) du moment en plaçant la corbeille de fruits au premier plan sur le bord de la table.

Dernières soupers

En tant que l'une des histoires les plus importantes du christianisme occidental, la Dernière Cène a été présentée dans des centaines d'œuvres d'art à travers les âges. Les marques visuelles du sujet habituel incluent le Christ au centre du tableau entouré de ses apôtres, mais même cela est sujet à changement avec beaucoup de licence artistique ajoutée pour faire bonne mesure.

Avec des tuiles

Les représentations de mosaïques paléochrétiennes comme celles de Ravenne, en Italie, montrent une Cène qui ne se situe pas dans un cadre particulier. La scène est simplement bouclée avec une bordure décorative autour de l'action. Le Christ n'est pas au centre mais à l'extrême gauche, accentué d'un halo orné de bijoux et orné de draperies bleues.

L'échelle et la perspective, évidemment, étaient des détails sur lesquels les artistes travaillaient encore sur AKA wow, c'est un gros poisson. Mais ayant été faite au 6ème siècle après JC, nous coupons un peu de mou à ces artistes de tesselles.

Avec des variations

Des artistes comme Andrea del Castagno, qui a peint sa Dernière Cène en 1447, et Domenico Ghirlandaio, qui l'a fait une trentaine d'années plus tard en 1479, ont tous deux placé Christ du côté du spectateur de la table biblique, bien qu'ils aient changé la position du Christ.

Ce trope visuel n'a pas défini de tendances historiques. Mais il y a beaucoup à noter dans ces retables, y compris comment la toile de fond trippy del Castagno apparaît et se demande ce que Ghirlandaio voulait dire par son inclusion de tous ces oiseaux étrangement énormes dans les arcs en arrière-plan de sa Dernière Cène.

Établir des normes

C'est la version Renaissance de la Cène de Léonard de Vinci qui a vraiment établi la norme en matière d'iconographie historique et de présentation du sujet. Il était le seul Tortue Ninja à faire une peinture de la Cène qui survit à ce jour. Michel-Ange, Donatello et Raphaël n'en ont pas. Le langage visuel de Leo influencerait des générations d'artistes et de nombreux mèmes du 21e siècle.

Et certainement pas un dernier souper?!

Véronèse est arrivée près d'un siècle après Léonard. Il a définitivement augmenté la mise en ce qui concerne la valeur de la production. Son dernier souper apparaît dans un cadre beaucoup plus splendide que celui de Léonard de Vinci et comprenait également une tonne d'extras… qui l'ont presque incité à l'hérésie pendant l'Inquisition.

Yup, les "bouffons, Allemands ivres, nains et autres scurrilités de Veronese" ainsi que les apôtres qui découpaient l'agneau (qui serait Saint-Pierre) et se cueillaient les dents avec des fourchettes ont été sévèrement critiqués et interrogés par les responsables.

Changez-le… rapidement

Véronèse s'avère cependant être un maître pivot. Il a simplement apporté quelques ajustements à la peinture et a affirmé que la Dernière Cène n'était pas du tout une Cène. Non, c'est une représentation de la fête dans la maison de Lévi. Totalement différent, juges. Trop différent. Sujet fermé. Cou d'artiste, sauvé.

Il y a une courge sur ton visage

Giuseppe Arcimboldo, dont le nom est toujours confondu par cet écrivain avec la saltimbocca (souligne cependant que c'est un aliment?), A peint des portraits de personnes comme de la nourriture. Un ensemble de sourcils deviennent des brins de blé. Il y a un concombre pour un nez. La queue de poisson fait le devoir d'un bouc. Vous obtenez l'image gastronomique.

Fétichiste de la nourriture, un peu déséquilibré, ou simplement peindre ce qu'était son public italien du XVIe siècle? C'est probablement ce dernier selon la plupart des chercheurs. Les artistes de la Renaissance adoraient les énigmes, les énigmes et les étranges, et les peintures d'Arcimboldo sont un tableau comestible des trois.

Le plus somptueux de tous

Quand il s’agit de peintures qui mettent vraiment la «fête» dans la nourriture, nous n’avons qu’un seul endroit: la République néerlandaise. Les peintres néerlandais à Anvers dans les années 1640 ont développé le style de nature morte du pronkstilleven, qui est le néerlandais pour la fête de la nourriture hella. Aussi, peut-être plus littéralement traduit par nature morte ostentatoire, ornée ou somptueuse.

Les fêtes

Entrez les homards, les pâtés à la viande, les volailles et les poissons, les huîtres, les tas de fruits lumineux, les magnifiques gobelets et chopes de bière et les boucles abruptes de zeste de citron. Entrez dans la diversité des aliments, des récipients, du verre brillant, des couverts de table et des riches draperies.

Entrez dans l'abondance pas si quotidienne peinte par des dizaines d'artistes flamands avec la haute cuisine en tête, notamment Frans Snyders, Adriaen van Utrecht, Jan Davidsz. de Heem, Nicolaes van Verendael, Alexander Coosemans, Carstian Luyckx, Jasper Geeraards, Peter Willebeeck, Abraham van Beyeren, Willem Kalf, Osias Beert et Cornelis Norbertus Gijsbrechts.

Manger et apprendre

Le pronkstilleven n'est pas seulement une extravagance alimentaire. Il y a une morale à l'histoire. Ça va quelque chose comme "vous ne remplirez jamais ce trou dans votre vie, peu importe combien vous vous bourrez."

Cela pourrait peut-être être mis un peu plus éloquemment en termes de genre élevé de peintures de vanité, dans lesquelles les verres vides ou renversés représentés parlent des sentiments vacants à l'intérieur que seule la modération et la tempérance - pas les étalages de richesse - peuvent satisfaire. Les diffusions ostentatoires que vous voyez servent d'avertissements pour ne pas mettre votre vie au service des choses matérielles… malgré l'inclusion de toutes les choses matérielles.

Pronkstillevens avec un côté bizarre

Mais laissez aux artistes le soin de sortir un peu des rails avec un thème. Donc, à partir de collations de fantaisie et de mange-brunes, nous allons à:

Fête culinaire, l'édition ménagerie! Aussi ew… qui mangerait un paon?!

Fête culinaire, l'édition des animaux étranges! Aussi ew… pourquoi votre chien est-il plus petit que le homard sur la table?!

Fête de la gastronomie, l'édition remise en forme! Aussi ew ... pourquoi avez-vous remonté la dinde et l'avoir mise sur la table au-dessus de son propre self en morceaux?! Nous connaissons Jonathan Rhys Meyers comme Henry VIII a fait une version cygne de cela dans Les Tudors (clip super bootleg si vous voulez voir par vous-même) et nous ne nous soucions toujours pas.

Fête gastronomique, l'édition singes à manger! Et aussi… l'édition des singes qui ont besoin de manger? Saviez-vous qu'il existe tout un genre de peinture appelé singerie consacré à représenter des singes déguisés et à faire des choses humaines… comme faire la fête et se régaler? Le Néerlandais Nicolaes van Verendael en a fait plusieurs, dont celle que vous voyez ici.

Le boucher et le boulanger

Moins de regard sur mon bling et plus d'hommes et de femmes au travail, il y a plusieurs chefs-d'œuvre hollandais sur le «prétraitement» historique des comestibles. Cela comprend des représentations d'étals de marché et de bouchers et de marchands de nourriture préparant leurs marchandises.

Raid the Pantry

Les Espagnols ont également un genre de nourriture dans l'art qui remonte au XVIIe siècle. La tradition du bodegón a fait son chemin avec des peintres baroques comme Velazquez, Juan Sanchez Cotan, Zurbaran et Luis Melendez. Il englobe des peintures de nature morte représentant des articles de cuisine ainsi que des aliments et des boissons, trouvés dans les garde-manger ou les caves à vin, d'où le terme dérive.

Contrairement à la tradition hollandaise, les bodegóns sont présentés simplement, presque austèrement. Il s'agit du quotidien, pas de l'exceptionnel. Il n'y a pas de table de banquet. Ces «repas» sombres sont disposés sur des blocs de bois de rechange ou des étagères en pierre. Voici la table de préparation du cuisinier, avec des animaux qui attendent d'être écorchés et des fruits et légumes crus.

Mais le fil de la vanité boucle ces deux genres de nature morte ensemble, les Néerlandais mettant en garde contre l'excès et les Espagnols évoquant la pleine conscience des temps maigres ou maigres, lorsque la foi intérieure et le courage doivent faire le gros du travail.

Ce qui ne peut être nié, c'est l'aspect surréaliste du bodegón, qui est souvent jeté dans l'ombre et placé dans des endroits particuliers, mais cela ne fait que le rendre encore plus remarquable.

Mangeons!

Diego Velazquez vibre avec la tradition du bodegon sur plusieurs toiles dont Vieille femme frire des oeufs et Le déjeuner. Bien que les vibrations soient à différentes extrémités du spectre. Cette dernière peinture est en haut et la première pièce en bas. Mais la nourriture est la chose qui les unit.

Prime de verger sain

D'une poignée à un panier, le postimpressionniste Paul Cézanne a exposé les pommes et les oranges de nombreuses façons dans ses peintures de natures mortes tout aussi nombreuses. Rêve de fabricant de gelée, les toiles fruitées de Cézanne jettent également un pont entre deux -ismes de l’art (l’impressionnisme et le cubisme) avec leurs lignes de perspective souvent désorientantes et l’accent mis sur les plans.

Gâteau, gâteau et plus de gâteau… également tarte

Pendant près de cinquante ans, Wayne Thiebaud a pris les comestibles comme sujet de peinture. Ce n'est certainement pas son seul sujet, mais les gâteaux, tartes, boules de gomme, hot-dogs et cornets de crème glacée honorent plus que plusieurs de ses toiles aux couleurs vives.

Les compositions font principalement écho aux rangées soignées d'un comptoir de restauration ou d'une chaîne de montage, rappelant peut-être l'expérience adolescente de Thiebaud travaillant chez Mile High et Red Hot, une cafétéria de Long Beach, en Californie, dans les années 1930.

Naughty Foodie

La carrière de Will Cotton en tant que peintre consiste à exploiter les envies de nourriture. Ses œuvres représentent des paysages de cupcakes, de bonbons et de glaces fondantes et des cieux de barbe à papa. Il augmente le quotient sexy en incluant parfois des personnages nus et semi-nus - y compris des célébrités comme Katy Perry - gambadant et se prélassant dans ses terres de bonbons ou ornés des aliments collants eux-mêmes.

Joie de la viande

La performance de Carolee Schneemann en 1964, «Meat Joy», mettait en vedette des danses chorégraphiées, des participants hommes et femmes légèrement vêtus, beaucoup de contorsions, de peinture corporelle et de viande crue. Schneemann, une artiste féministe de premier plan connue pour ses œuvres provocantes et quelque peu brutales, a interprété le chef-d'œuvre moderne à Londres et à New York devant le public.

Collecte des aliments en conserve

Andy Warhol a présenté pour la première fois ces 32 toiles individuelles en 1962, mettant les œuvres côte à côte comme s'il s'agissait de véritables boîtes de soupe sur les étagères d'une épicerie. Chaque toile représente une saveur différente de la soupe de Campbell que Warhol a peinte et estampée à la main en pensant aux publicités produites en masse par l'artiste.

Bonbons poignants

Dans les coins, autour des colonnes, dans les cages d'escalier, les pièces de sculpture en bonbon sans titre de Felix Gonzalez-Torres ont été placées dans des décors modestes à travers de nombreux étages de musées à travers le monde. Les visiteurs des installations sont invités à prendre un morceau de l'œuvre… et le reste leur appartient. Consommez les bonbons. Gardez-le pour toujours. Jetez-le ou passez-le à un ami. Le message sous-jacent du travail remonte aux jours sombres de l'épidémie de SIDA et la pile décroissante de bonbons représente ceux perdus (ou abandonnés) à la maladie.

Presser mes agrumes

L'artiste Michael Parker, mieux connu pour ses installations de Land Art de Cali, a incité les visiteurs de son spectacle Juiceworks 2015 à presser des tas d'agrumes magnifiquement arrangés à l'aide de dizaines d'outils en céramique qu'il avait fabriqués.

Salade pour le président

L'artiste et activiste des salades Julia Sherman, auteur du blog Salad for President, a créé des installations de jardins sur le toit au Getty Center de Los Angeles et au MoMA PS1 à New York en 2014 et 2015. Les artistes invités ont été invités à préparer des salades à partir des produits cultivés par Sherman, qui comprenait plus de 50 herbes anciennes, légumes et fleurs comestibles.

Collations gonflables

Aucun tour d'horizon de l'histoire de l'art de la fête culinaire ne serait complet sans le Burger au sol par Claes Oldenburg. C'est la quintessence de l'art moderne dans la nourriture… ou serait-ce de la nourriture moderne dans l'art? Vous ne pouvez pas le manger, mais vous pouvez certainement sauter sur cette malbouffe surdimensionnée. Bien que le risque soit que le musée vous interdise à vie. #tradeoffs #worthit


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