La vie d'artiste

Une conversation avec Carolyn Latanision

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Le neuvième d'une série exclusive d'artiste quotidien:

Maîtres de l'aquarelle américaine

Comment vous êtes-vous intéressé à l'aquarelle?

J'ai travaillé toute ma vie avec l'aquarelle, préférant la liberté et l'inattendu de celle-ci à d'autres médias, même si j'utilise également des huiles, de l'acrylique et de la caséine.

Quels sont les aquarellistes qui vous ont le plus inspiré?
Il serait facile de nommer Sargent, mais il y en a beaucoup dont j'aime le travail pour différentes raisons. La technique seule semble secondaire à l'expressivité de l'artiste individuel.

Comment vous êtes-vous intéressé aux sujets architecturaux et urbains?

Ayant grandi à Bethléem, en Pennsylvanie, à quelques pâtés de maisons des hauts fourneaux massifs de Bethlehem Steel, les grandes structures dramatiques étaient un élément quotidien de ma vie. Ma grand-mère vivait à Astoria, dans le Queens, donc nous sommes allés à NYC une semaine chaque année et ces gratte-ciel, structures construites avec les poutres en I de Bethléem, ont ajouté une autre dimension à l'empreinte visuelle sur ma conscience de la lumière, des angles et des plans de l'architecture. . Je ne savais pas que j'étais visuellement attiré par l'architecture jusqu'à ce que je déménage dans la région de Boston et que je découvre Beacon Hill. Je me suis enseigné à peindre l'architecture, d'abord avec les portes de Beacon Hill, puis avec des bâtiments entiers, puis des rues de bâtiments.

Votre série Bethlehem Steel est vaste. Comment vous êtes-vous intéressé à Bethlehem Steel?
Lorsque vous grandissez aussi près d'une opération que cela ne vous échappe pas et il n'y a pas d'explication à moins que vous ne l'ayez vécue. C'était toujours présent. C'est juste une partie de vous. Une génération d'hommes après l'autre dans ma famille y ont perdu la vie s'ils travaillaient dans l'usine plutôt que dans un bureau. Le bruit des fonderies n'a jamais cessé, pas plus que les odeurs et la saleté. Le grain noir serait sur vos pieds lorsque vous enlevez vos chaussettes; il s'est glissé dans la maison quotidiennement. Après le collège, je pensais que je ne pourrais pas m'enfuir assez vite. Cependant, lorsqu'un article de première page du Boston Globe a annoncé sa fermeture en 1995, il m'a frappé émotionnellement. J'étais soudain très conscient de son importance historiquement pour moi, pour ma famille et pour le pays. J'ai parcouru la plante quatre fois par la suite, peignant un endroit devenu calme, mais reflétant son ancienne puissance.

Vous avez dit que NYC - un autre sujet favori - a une énergie unique. Pouvez-vous élaborer sur ce sujet?

New York était si grande et passionnante pour moi quand j'étais enfant - tout comme pour mes petites-filles aujourd'hui - je voulais tout voir. Ces mêmes plans et angles que je voyais tous les jours à Bethléem renaissent dans les gratte-ciel de New York. Et tant de gens à regarder! Chaque fois que je traversais les ponts enjambant la rivière Lehigh, le long de laquelle l'usine de Bethlehem Steel de 4,5 miles a été construite, je pouvais voir un panorama de sa puissante activité. Les wagons de train, les soudeurs et les charbons ardents des cokeries de Bethléem ont trouvé un parallèle dans l'agitation des gens, des métros, de la fumée et des immeubles imposants de New York.

Je comprends que vous travaillez généralement à partir de photos. Quels conseils pouvez-vous offrir concernant les photos et les références?

Quand je fais mon travail plus détaillé, je travaille à partir de photos plutôt que de croquis réalisés sur place. Je compose toujours à travers l'objectif, en pensant à la façon dont il doit être composé comme un tableau si je choisis de le peindre. Avec la photographie numérique, je trouve que je ne suis pas aussi prudent qu'avec le film, mais cela me permet de prendre plusieurs photos et des photos supplémentaires de détails. C'est un peu comme faire des vignettes. Cela me permet de prendre de nombreuses photos de personnes dans une zone particulière et plus tard, je peux choisir et réorganiser. Et j'ai appris à éditer, éditer, éditer.

Travaillez-vous généralement avec plusieurs photos?
J'imprime souvent un certain nombre de photos avant de commencer mon dessin.

Faites-vous habituellement un dessin détaillé avant de peindre?

Je ne fais pas de dessin détaillé normalement, car je peux visualiser où je vais me diriger. Le premier et le plus important est de voir la composition comme un tout abstrait - les formes et les valeurs. Après avoir quadrillé mon papier, je dessine dans les zones les plus critiques, puis commence à peindre, m'arrêtant pour remplir les détails au fur et à mesure des besoins. J'ai une grande impatience de commencer à peindre.

Faites-vous d'autres travaux préliminaires?

Que je travaille à partir de la vie ou à partir de photos, j'établis à l'avance ma palette pour chaque peinture. J'adore la couleur et j'en utilise beaucoup, mais je commence par réduire ma palette pour une peinture en expérimentant avec des lavis et des glacis: quelle couleur descend d'abord sur une couleur sèche, ou devrait-elle être vice versa; quelles couleurs doivent se mélanger mouillé sur mouillé, etc. Pour de nombreux domaines, j'ai tendance à mélanger moins et à superposer davantage, mais cette décision ne vient qu'après expérimentation.

Je comprends que vous travaillez en utilisant une méthode de vitrage, en construisant la couleur et les détails. Est-ce exact?

Habituellement, avec la superposition / le vitrage, j'essaie de ne pas utiliser plus de deux couleurs pour ne pas devenir "boueux". Cependant, lorsque je mélange, plutôt que de glacer, j'utilise parfois trois couleurs. Cela dit, j'utilise généralement très peu de couleurs pigmentées et, par conséquent, il y a moins de risques de matité. Parfois, je vais déposer une couleur et la laisser sécher en sachant que je vais prendre une éponge et l'essuyer doucement à nouveau pour laisser un voile de couleur doux sur le papier que je peux retravailler. Parfois, je vais commencer par une sous-couche de gouache acrylique sur une grande surface afin de pouvoir y travailler à nouveau sans mouvement en dessous. Je dois généralement réappliquer les valeurs sombres et les couleurs vives dans une peinture détaillée une fois que l'application d'origine est complètement sèche. Un exemple de couleur sombre, mais lumineuse, est une pomme rouge foncé. L'utilisation d'une seule couleur la rend trop plate. Je vais d'abord utiliser un rouge vif pour une première application. Quand il est sec, je le superpose avec un lavis rouge foncé. Ce faisant, la couleur atteint une belle profondeur.

Avez-vous des couleurs sur lesquelles vous vous fiez à maintes reprises - et d'autres que vous essayez d'éviter?

Comme mentionné, j'utilise beaucoup plus de couleurs de teinture que les couleurs pigmentées. J'utilise une longue palette en métal avec mes couleurs les plus utilisées les plus proches de moi dans l'ordre "arc-en-ciel". Les couleurs que j'utilise le plus souvent ont changé au fil du temps et continuent de le faire. Par exemple, j’ai déjà utilisé beaucoup de Payne’s Grey. Il a été remplacé par une teinte neutre pour neutraliser certaines couleurs. J'utilise toujours le bleu outremer, mais pas si je veux éviter la granulation. D'autres fois, je l'utilise spécialement pour cette propriété. Le bleu de phtalocyanine est un colorant et ne devrait techniquement pas bouger beaucoup, mais il le fait! Je l'évite pour le ciel car il peut devenir irrégulier.

Quel papier préférez-vous - marque, presse à froid, presse à chaud, etc.?

J'utilise le plus souvent 300 lb de papier Saunders Waterford Cold Press, ou Twin Rocker, un papier fait à la main en un seul poids. J'aime le papier brut, en particulier Arches, mais je ne l'utilise pas pour mon travail plus détaillé. Je l'apprécie cependant pour les sujets de nature en plein air.

Préparez-vous votre papier de quelque manière que ce soit, en le mouillant, en l'étirant, etc.?

J'ai essayé toutes sortes de façons de préparer mon papier, mais j'ai finalement trouvé que j'avais beaucoup plus de flexibilité de mouvement pour le laisser reposer sur ma planche à dessin. Habituellement, il n'y a pas assez de flambement pour me gêner. Si j'en ai besoin, je la retourne face vers le bas, mouille le dos avec une éponge et je la leste avec ma planche à dessin et des poids supplémentaires pendant un petit moment. Il me revient totalement plat et je continue. En laissant le papier lâche, je peux le retourner facilement pendant que je travaille, parfois même à l'envers, sans avoir à déplacer toute la planche sur laquelle il repose. Aussi peu conventionnel que cela puisse paraître, j'ai remarqué que la plupart des gens de mes cours le font aussi maintenant, même si je ne leur ai jamais demandé de le faire.

Vous enseignez depuis un certain temps. Avez-vous trouvé cela utile dans votre propre travail?
Oui et non. J'aime beaucoup être seul, donc être avec mes cours est une très belle rupture avec moi-même! J'aime leur enthousiasme et parfois leur propre éthique de travail me pousse hors de mon sentiment de paresse. À d'autres égards, parce que je dois tout décomposer pour répondre à leurs questions, cela me retient un peu. J'aime la spontanéité de l'aquarelle (oui, même avec un travail détaillé), mais je commence parfois à penser trop techniquement parce que mon esprit est toujours pris en mode question-réponse.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un aquarelliste en herbe?

Je viens de lire une citation attribuée à Katherine Johnson, la mathématicienne de la NASA qui a joué un rôle clé dans l'envoi d'Apollo 11 sur la lune et vice-versa. Elle a dit: "En mathématiques, tu as raison ou tu as tort." Cela m'a frappé parce que dans l'art, il n'y a PAS de bien ou de mal. Continuez à peindre et n'essayez pas d'imiter le travail d'un autre peintre. Finalement, votre travail ressemblera à votre travail et vous aurez appris beaucoup de choses en cours de route pour rendre votre travail unique. La technique commencera naturellement à se mettre en place. Comme je le dis à mes élèves, l'aquarelle représente beaucoup d'apprentissage négatif. N'oubliez pas de vous amuser à le faire. C’est juste du papier.

Carolyn Latanision Est originaire de Bethléem, en Pennsylvanie et vit et travaille maintenant dans le Massachusetts. Elle travaille principalement dans les milieux aquatiques, explorant ses défis et ses possibilités uniques. Carolyn est membre emblématique de la National Watercolour Society, de la New England Watercolour Society, de la Pennsylvania Watercolour Society, du Catharine Lorillard Wolfe Art Club à New York, de la Hudson Valley Art Association, de la Philadelphia Water Color Society, de Rocky Mountain Water Media et de Whisky Painters of America. Dans la région de Boston, elle est désignée maître Copley à la Copley Society of Art. Ses peintures font partie de nombreuses collections publiques et privées.Pour plus d'informations, visitez le site Web de Carolyn.


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