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L'artiste aquarelliste contemporain John Salminen partage une sagesse durement gagnée

L'artiste aquarelliste contemporain John Salminen partage une sagesse durement gagnée


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Entretien exclusif avec Master of Watercolour: John Salminen

Chaque fois que je regarde le travail de John Salminen, je suis simplement heureux. Je passe plusieurs moments à étudier chaque peinture - en absorbant les couleurs, les compositions, les récits, les formes - et cette absorption visuelle ne fait que remonter le moral. Pour cette raison, entre autres, je suis ravi que John Salminen soit le juré du10e exposition internationale annuelle de Watermedia.

Son œil expert et ses nombreuses distinctions artistiques font de lui un juré idéal pour ce concours. Non seulement il enseigne et participe à des événements de peinture à travers le monde, mais il est également un membre emblématique de l'American Watercolour Society, de la National Watercolour Society et de la Transparent Watercolour Society of America.

Salminen a remporté plus de 220 prix dans des expositions nationales et internationales, et il a été artiste invité dans de nombreuses expositions internationales d'aquarelle en Chine, Singapour, Taïwan, Thaïlande, Russie, Turquie, Mexique, Italie, Belgique et Australie.

Apprenez tout sur John Salminen, le juré acclamé de Watermedia Showcase, dans cette interview exclusive ci-dessous. Prendre plaisir!

Comment vous êtes-vous intéressé à l'aquarelle?

Mon intérêt pour l'aquarelle a commencé au début des années 1980 lorsque j'ai eu l'occasion d'étudier avec Cheng Khee Chee. Il enseignait des cours de vulgarisation au campus de l'Université du Minnesota Duluth.

Un collègue professeur d'art et moi nous sommes inscrits à plusieurs cours, s'étalant sur environ deux ans. Ce n'était pas ma première expérience avec l'aquarelle, mais c'était l'impulsion nécessaire pour que je prenne un engagement sérieux envers le médium.

J'ai appris de nombreuses techniques utiles, mais surtout, j'ai trouvé intrigante l'approche axée sur le design de l'aquarelle. Je suis devenu de plus en plus conscient de l'importance d'une fondation basée sur la conception solidement développée.

Plus je peignais, plus je réalisais combien j'avais à apprendre. Je sens que je continue de développer les informations et les compétences que j'ai acquises au cours de ces cours.

Quels sont les aquarellistes qui vous ont le plus inspiré?

J'ai commencé comme peintre expressionniste abstrait. Les concepts et les approches de DeKooning et Franz Kline sont toujours au centre de mon esprit lorsque je commence une nouvelle peinture.

Lorsque j'ai commencé à peindre à l'aquarelle, de manière représentative, M. Cheng Khee Chee était une forte influence. Et, au début, je voulais peindre comme lui. En même temps, j'apprenais des peintres californiens - les grands peintres de plein air rapides et lâches qui faisaient avancer le médium.

Robert E. Wood et Morris Shubin m'ont fourni une autre façon d'incorporer le design dans mes pièces. Frank Webb a écrit avec éloquence sur le sujet et j'ai soigneusement étudié son approche.

En devenant plus habile, j'ai commencé à assumer mon propre style. Mes influences sont devenues plus finement accordées.

Bien que je n'essaye pas d'imiter le travail ou le style d'autres peintres, je m'inspire continuellement de nombreux artistes. L'utilisation actuelle des gris riches par Dean Mitchell, les passages lumineux de valeur moyenne de Joseph Zbukvic et la capacité de Mary Whyte à engager le spectateur sur le plan émotionnel m'intriguent tous.

Pendant que j'enseigne, juge, visite des expositions et regarde le travail dans des livres ou sur les réseaux sociaux, je vois des morceaux de peintures qui me font penser à la façon dont un effet particulier ou même un type de coup de pinceau peut avoir un impact sur mon propre travail. Tout ce que je vois a le potentiel de modifier ma pensée et d'influencer subtilement mon travail. Je serai toujours étudiant et une observation attentive des œuvres de peintres que j'admire m'aide dans mon cheminement vers l'amélioration.

Que recherchez-vous - qu'est-ce qui vous attire le plus - lorsque vous recherchez un sujet potentiel?

Je travaille à partir de photos que je prends sur place, en utilisant le viseur de l'appareil photo comme carnet de croquis. Je recherche des changements de valeur et une composition intéressante quand je détermine quand cliquer sur l'obturateur. Ces mêmes éléments m'aident à déterminer laquelle de mes nombreuses références photographiques choisir pour une peinture.

Une fois que j'ai sélectionné un sujet avec une composition forte, il devient de mon devoir de lui insuffler du contenu supplémentaire qui parlera aux téléspectateurs. À cette fin, j'ajoute souvent des chiffres et change l'humeur et l'atmosphère en ajustant la structure de valeur pour donner une idée du temps et du lieu.

Certains sujets se prêtent plus facilement à une «histoire» que d'autres. Cela fait partie du défi de créer une peinture à laquelle les gens peuvent s'identifier.

Beaucoup de vos tableaux présentent des lieux bien connus. Pensez-vous que cela vous aide à créer une ambiance ou un lien avec le spectateur?

En utilisant des sujets auxquels les téléspectateurs peuvent se rapporter, je les invite à interagir avec l'œuvre. Un de mes objectifs est de montrer au spectateur un regard légèrement différent sur une icône familière.

Votre travail est connu pour sa forte conception de sujets complexes. Faites-vous de petites ébauches préliminaires ou des études de valeur?

Pendant de nombreuses années, j'ai rempli le carnet de croquis après le carnet de croquis avec des dessins détaillés réalisés sur place. Je suis ensuite retourné dans mon atelier et refait les croquis avec un œil sur le design, la composition et la valeur.

Le deuxième dessin est devenu mon plan pour la peinture, tandis que mon croquis sur place a fourni des détails convaincants. Après tant de pratique avec cette approche basée sur le design créant des modèles de valeur, des arrangements dynamiques de formes et des compositions intéressantes, j'ai maintenant l'impression d'avoir intériorisé ces principes.

Je peux identifier un sujet fort à la fois lorsque je prends les photos et que je les numérise à la recherche de références de peinture. Cependant, je griffonne quand je parle au téléphone. Quand j'ai un peu de temps supplémentaire, j'aime le passer à faire des arrangements abstraits de valeurs sombres, moyennes et claires - la composition à son niveau le plus essentiel. Alors que des musiciens accomplis continuent de pratiquer des gammes, je continue de composer.

Une fois la composition et la direction de la peinture établies, procédez-vous sans plus de travail préalable?

Une fois que je vois ce que je veux peindre, je fais un dessin complet, en le réorganisant et en le repensant comme je le faisais dans mon carnet de croquis. La valeur d'un dessin solide est qu'il me libère pendant le processus de peinture pour me concentrer sur l'humeur et les sentiments.

Parce que mes peintures sont souvent assez grandes, le dessin me maintient en contact avec mon intention d'origine. Et le temps consacré à la création du dessin est récupéré au cours du processus de peinture.

J'ai trouvé qu'il était important pour moi de mettre fréquemment la peinture en place et de la regarder attentivement et de manière critique. La peinture développe souvent sa propre voix et suggère parfois une nouvelle direction.

Que pouvez-vous nous dire concernant votre utilisation efficace des neutres et des couleurs limitées? Vous utilisez si bien les valeurs sombres et les ombres profondes. Avez-vous déjà utilisé du noir - ne serait-ce que pour plus de punch?

Mon utilisation de la couleur neutralisée est basée sur le concept de mise en scène. En créant une peinture soigneusement orchestrée utilisant des mélanges complémentaires et un riche mélange de gris, je peux utiliser de petites quantités de couleurs vives et pures pour créer un accent dramatique.

J'utilise également le noir de lampe comme accent dramatique, en plaçant le noir pur dans une partie de la peinture qui est déjà consacrée à des noirs mélangés très sombres (cramoisi et vert phtalo alizarine ou bleu outremer et terre d'ombre brûlée par exemple). Le noir de la lampe donne de la luminosité aux passages sombres environnants et fournit le cliché supplémentaire nécessaire pour créer un accent sombre.

Vous utilisez la référence photo pour vos peintures d'atelier. Avez-vous rencontré de réels inconvénients à travailler à partir de photos?

Il y a un risque potentiel à travailler à partir de photos. Les artistes copient parfois simplement ce que l'appareil photo a enregistré ou fonctionnent à partir de photos prises par d'autres personnes. Cela pourrait limiter la capacité des artistes à exprimer leurs visions créatives individuelles.

J'ai enseigné la photographie pendant de nombreuses années et je pense que les critères esthétiques selon lesquels nous jugeons une photo sont différents de ceux que nous utilisons pour juger une peinture. Agrandir simplement une photo avec de la peinture semble insensé. Un magasin de photocopies peut le faire plus rapidement et à moindre coût.

Mon défi lorsque j'utilise la référence photo est de créer une œuvre qui repose sur la manipulation picturale du médium et profite de mes options pour améliorer et valoriser la réalité de la scène. J'ai souvent une réaction émotionnelle à mes sujets. Ce que je vois est coloré par la somme totale de mes propres expériences.

Par exemple, ma vision d'une scène a parfois été influencée par de beaux passages descriptifs d'auteurs comme Saul Bellows. Ou, je me souviens de ce que je ressentais lorsque je me tenais sur place en regardant dans mon viseur. Je me souviens du grondement du train surélevé ou de l'odeur de noix de cajou grillées d'un vendeur voisin. Tous ces facteurs contributifs ajoutent à ma peinture des éléments qui n'étaient pas inclus dans la référence de photo initiale.

Une photo enregistre fidèlement les détails. Je dois prioriser ce détail, l'interpréter et, espérons-le, l'améliorer. Ces éléments, combinés à la qualité de la marque sur la page, distinguent une peinture d'une photographie.

Travaillez-vous parfois avec plusieurs photos différentes du même sujet?

Je combine souvent des images pour améliorer la composition ou améliorer l'histoire racontée.

Quel papier préférez-vous généralement - marque, presse à froid, presse à chaud, etc.?

Le meilleur papier pour mon processus de peinture est la presse à froid d’Arches 140 lb, en feuilles entières, au format éléphant ou en morceaux plus gros coupés en rouleaux. Il répond parfaitement à mes besoins.

Préparez-vous votre papier de quelque manière que ce soit - en le mouillant, en l'étirant, etc.?

Je colle simplement le papier sur un morceau de mousse, amenant le ruban à environ 1/2 pouce du bord du papier. J'utilise un noyau en mousse que j'ai découpé aux mêmes dimensions extérieures de mon tapis et de mon morceau de plexiglas, ce qui me permet de glisser facilement la peinture derrière le tapis.

Le plexiglas redonne de l'éclat à la surface. Ce système simple favorise des périodes de réflexion fréquentes à mesure que la peinture émerge.

Avez-vous des couleurs sur lesquelles vous comptez et d'autres que vous essayez d'éviter, pour une raison quelconque?

Mes couleurs préférées sont très traditionnelles. Ma palette n'a pas beaucoup changé depuis de nombreuses années. Alizarin Crimson et Pthalo Green sont assis côte à côte, tout comme le bleu outremer, la terre de Sienne brûlée et la terre d'ombre brûlée. Ce sont les combinaisons de travail de mes schémas de couleurs neutres.

Une autre combinaison que j'aime est le bleu céruléen et l'orange cadmium pour créer des couleurs riches et difficiles à définir. Mon seul ajout récent est un favori de pratiquement tout le monde: Quin Gold. Je l'utilise avec prudence, cependant, car il veut être la star de l'émission, que je le veuille ou non.

Mes mélanges préférés se produisent après quelques jours de peinture lorsque la bouillie au milieu de ma palette non lavée commence à devenir intéressante.

J'évite personnellement tous les jaunes-verts. Le seul vert sur ma palette est le phtalo car il fait frais et se mélange bien avec les autres couleurs.

Vos peintures en plein air présentent un style délicieux mais totalement différent. Ont-ils contribué à l'évolution de votre style de peinture en studio?

Mes peintures d'atelier prennent entre 40 et 60 heures. Parce que j'apprécie vraiment le fait de peindre, ce n'est pas un problème pour moi. Je suis tellement immergé dans les petites abstractions qui émergent en appliquant des détails internes que je pourrais continuer à peindre pour toujours.

Cependant, j'ai récemment été invité à participer à des voyages de peinture en plein air en Chine et ailleurs. Mon style de studio ne serait pas réalisable, j'ai donc revisité mes racines - le style californien rapide et lâche. Il est confortable pour moi et correspond bien aux concepts de conception sous-jacents que j'ai développés au fil des ans.

J’aime pouvoir terminer une peinture en une heure ou deux, et je suis de plus en plus satisfait des résultats. Je pense que ces expériences renforcent mon travail en studio car elles me remettent en contact avec le merveilleux aspect lumineux des lavages appliqués rapidement - quelque chose qui se perd parfois en studio.

Lorsque je sors dans la rue avec mon appareil photo, je crée des images à peu près dans le même état d’esprit que lorsque je peins à l’extérieur et que je vis la scène de première main. Il n'y a pas autant de déconnexion que cela puisse paraître. La plus grande différence est que lorsque je peins en plein air, j'utilise presque exclusivement des pinceaux carrés au lieu de mon préféré en studio, le pinceau pointu n ° 4.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un jeune aquarelliste en herbe?

J'entends souvent cette question: "Que puis-je faire pour être un meilleur peintre?" Qu'elle soit demandée par un débutant ou un artiste expérimenté souhaitant s'améliorer, la réponse est toujours la même - PAINT MORE! Plus nous peignons, mieux nous devenons et plus nous l'apprécions.

Je suggérerais également à de jeunes aquarellistes en herbe d’essayer de trouver un endroit où peindre où il n’est pas nécessaire de décomposer et de réinstaller pour chaque session de peinture. Il n’est pas important d’avoir un studio sophistiqué - juste un endroit où les peintures et le papier peuvent être laissés de côté, sans être dérangés.

Les artistes qui attendent la muse pour parler peuvent parfois avoir une longue attente. Ce temps peut être consacré à la pratique et au perfectionnement des compétences en peinture. Une fois qu'un engagement sérieux aura été pris et que la priorité sera donnée à la recherche de temps pour peindre régulièrement, le reste suivra. Comme tout ce que nous nous efforçons de maîtriser dans nos vies, la pratique est la réponse.

Il est également important de ne pas laisser les revers ou les refus devenir bouleversants ou frustrants. J'évalue mes progrès par tranches de cinq ans plutôt que d'une peinture à l'autre.

Je ne montre pas la même peinture dans plus d'une exposition compétitive, et je suggère à d'autres peintres de faire de même. À mon avis, les spectateurs seront moins intéressés par une peinture la deuxième fois qu'ils la verront, et encore moins la troisième fois.

Au lieu de compter sur une peinture très réussie, j'encouragerais les peintres à retourner dans l'atelier, en travaillant à en faire une meilleure. La croissance personnelle en tant qu'artiste et le développement d'un public de spectateurs viendront à ces artistes qui sont déterminés à aller de l'avant vers l'objectif que nous partageons tous - faire de notre mieux.

Articles de Paul Sullivan; toutes les photos extraites du livre de John Salminen, John Salminen, maître du paysage urbain, que vous pouvez consulter ici.

Présentez vos talents Watermedia

Maintenant que vous en savez plus sur la vie, l'art et les conseils de John Salminen, pourquoi ne pas mettre vos compétences à l'épreuve?

Soumettez vos peintures watermedia à la 10e édition annuelle de Watermedia Showcase pour courir la chance de gagner l'un des nombreux prix incroyables.En savoir plus sur le concours, les remises de prix et comment participer ici. Bonne chance, artistes!


Voir la vidéo: Watercolor Tip: Use a Mr. Clean Magic Eraser for Fine Details (Juin 2022).


Commentaires:

  1. Fern

    C'est juste une excellente idée

  2. Samusho

    C'est une conditionnalité courante

  3. Merisar

    une question très utile

  4. Jean Baptiste

    Maintenant, tout est devenu clair pour moi, merci pour les informations dont vous avez besoin.



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