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Qu'est-ce que la peinture à l'huile?

Qu'est-ce que la peinture à l'huile?



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Peinture à l'huile: des siècles toujours aussi forts

La peinture à l'huile remonte à des siècles et est une pratique artistique d'une grande portée. dans la vallée de Bamian en Afghanistan, où des artistes indiens et chinois ont créé des centaines de peintures dans le lien des grottes.

Mais l'art de la peinture à l'huile n'a pas atteint une importance et une utilisation répandues jusqu'à son arrivée en Europe du Nord au 15e siècle. L'artiste néerlandais Jan Van Eyck est le plus souvent reconnu pour avoir «découvert» la pratique, ayant expérimenté des techniques de peinture à l'huile dans ses œuvres sur panneau de bois, y compris son célèbre portrait de mariage Arnolfini. Finalement, la peinture à l'huile a balayé le reste de l'Europe, remplaçant la peinture à la détrempe comme le moyen de choix le plus important et devenant la pratique de la peinture la plus étroitement associée à l'art de la Haute Renaissance.

Ce qui a d'abord rendu l'art de la peinture à l'huile si attrayant, c'est la luminosité et la richesse de ses couleurs. Ce qui lui a permis de résister à l'épreuve du temps, c'est son adaptabilité aux caprices et aux exigences d'un artiste. Par exemple, les artistes de la peinture à l'huile de la Renaissance avaient tendance à utiliser des peintures à l'huile en couches, travaillant la graisse sur maigre (ce qui signifie ajouter plus d'huile au pigment au fur et à mesure que vous traversez chaque couche successive pour permettre un séchage ou un durcissement approprié de sorte que la surface finale de la peinture a gagné ne craque pas) et sombre à clair. Ceci est généralement appelé peinture indirecte et permet à un artiste de construire la surface de la peinture de la sous-peinture tonique aux glacis de finition.

Pendant la période impressionniste, une grande partie de cela a changé. Les pigments à l'huile étaient placés dans des tubes et les artistes étaient libres de se déplacer à l'extérieur, où ils peignaient souvent «mouillé à mouillé», mélangeant la peinture directement sur la surface et n'attendant pas qu'une couche de peinture sèche avant de reprendre la peinture. De nos jours, les artistes combinent souvent l'une de ces méthodes ou les deux dans leur art de l'huile.

Et l'attrait supplémentaire de la peinture à l'huile réside dans le fait que sa translucidité, son éclat et son épaisseur peuvent tous être ajustés. Il peut également être utilisé avec des cires, des résines et des vernis, ce qui prouve que le processus et les possibilités inhérents à la peinture à l'huile sont aussi variés et facettés que les œuvres d'art réalisées au fil des siècles.

Comment peindre à l'huile: pinceaux, pinceaux 101 et au-delà

Achetez des pinceaux de peinture à l'huile avec des poils qui sont fermes et ne se penchent pas trop fortement sur la virole, et surveillez les poils lâches ou évasés. En termes de types de pinceaux, les pinceaux plats sont souvent utilisés lors de l'application de grandes surfaces d'huile sur toile. Les noisettes ramollissent les bords; les brillants sont des pinceaux plats courts et généralement utilisés pour déterminer comment texturer la surface d'une peinture pour des effets d'impasto audacieux. Les pinceaux ronds sont polyvalents et peuvent être utilisés presque partout et sur n'importe quoi pendant le processus de peinture. Les pinceaux en éventail prennent leur nom et effacent les coups de pinceau et adoucissent les dégradés de tons.

Vous pouvez aborder la peinture à l'huile de plusieurs façons. Vous pouvez appliquer la peinture en couches minces, en travaillant la graisse sur maigre. La clé du succès est d'appliquer une peinture contenant plus d'huile à chaque couche successive. Les techniques d'empâtement sont assez différentes. Vous pouvez appliquer de la peinture à l'huile directement à partir du tube, en travaillant avec un pinceau ou un couteau à palette. Pour augmenter les effets de texture sur la surface de la peinture, vous pouvez également essayer de mélanger la peinture avec du sable ou de la sciure.

Pour des textures subtiles et des transitions douces, dépouillez votre peinture, en appliquant un mince film de peinture sèche (sans huile ajoutée) sur une surface sèche. Cela donnera à une peinture une brume de couleur délicate, révélant la couleur de fond et la fusionnant optiquement avec la couche de scumble. Pour dépouiller, commencez avec une brosse ancienne ou usée et frottez la surface de la peinture librement et dans n'importe quelle direction qui convient à la nature de la peinture.

Apprendre la peinture à l'huile: Graphiques de température de couleur

Le paysagiste Timothy R. Thies enseigne à ses étudiants de l'atelier de peinture à l'huile comment capturer les températures insaisissables et nuancées de la lumière et de l'ombre dans leur travail.

Lumière froide, ombres chaudes

Roses couvertes illustre le principe de la lumière froide et des ombres chaudes », a déclaré Thies. «Ce que je veux dire ici, c'est que chaque objet dans la lumière a été peint avec des couleurs froides - la fraîcheur étant la température de la lumière d'un jour couvert. Toutes les zones d'ombre de ce tableau sont peintes dans des couleurs plus chaudes, en particulier par rapport à ce qui les entoure. La température de couleur consiste toujours à comparer deux couleurs l'une à côté de l'autre. Par exemple, dans cette peinture, les couleurs dans les zones claires sont plus froides par rapport aux couleurs dans les zones d'ombre.

Lumière chaude, ombres fraîches

"Dans Au poil, nous avons exactement le contraire », a poursuivi Thies. «Vous voulez toujours opposer toutes les formes de votre peinture à la lumière d'une journée ensoleillée à celles de l'ombre. Par une journée ensoleillée, comme dans Au poil, toutes les notes de couleur à la lumière sont plus chaudes que celles des ombres, les ombres étant principalement plus froides. En outre, par une journée ensoleillée, vous produisez des peintures qui ont des couleurs plus claires et plus lumineuses et plus de contraste que dans des peintures réalisées sous une lumière froide ou un ciel couvert. Comparez les tableaux côte à côte. La peinture nuageuse a des changements de couleur très subtils. Dans Au poil, la peinture ensoleillée, vous pouvez voir des changements de couleurs plus distincts et une plus large gamme de changements de valeur. La plupart des artistes préfèrent les peintures aux beaux jours car les changements de couleur sont plus évidents et les peintures couvertes peuvent sembler très grises et peu attrayantes. Si vous regardez de plus près, cependant, vous commencerez à voir les subtils changements de couleur des concepts de lumière froide et d'ombre plus chaude, très similaires à la peinture dans des conditions de lumière du nord dans un studio. En peignant dans les deux conditions d'éclairage, vous ajouterez de la variété à vos peintures finies. »

Art du nuancier

Quelques semaines avant un atelier, Thies envoie à chacun de ses élèves un paquet d'informations sur la façon de réaliser des nuanciers avant d'arriver pour l'événement de trois jours. Il encourage les artistes à compléter les nuanciers pour mieux comprendre non seulement les couleurs qu'ils utilisaient mais aussi comment ils interagissent les uns avec les autres. "Combien de fois avez-vous regardé un objet dans la nature et pensé:" De quelle couleur est-ce et comment le mélanger? " Thies a demandé dans sa lettre aux étudiants. «En mélangeant deux couleurs plus le blanc de votre palette, vous commencerez à apprendre puis à mémoriser des mélanges de couleurs qui sont assez beaux. Quoi de plus satisfaisant et amusant? "

Chaque nuancier se concentre sur une couleur dominante - le vert sapin, par exemple - et sur la façon dont il interagit avec chacune des autres couleurs d'une palette. Les tableaux de Thiès - qu'il recommande de peindre sur des panneaux de toile, un pouce carré pour chaque bloc de couleur, séparés par du ruban d'arts graphiques blanc 1/8 ″ - sont toujours profonds de cinq rangées horizontales, la rangée du haut étant toujours la valeur la plus sombre et celle du bas ramer toujours le plus léger. Le nombre de colonnes verticales dépend du nombre de couleurs expérimentées - idéalement, suffisamment pour accueillir le nombre de couleurs sur la palette. Les rangées de couleurs horizontales sont composées de mélanges de chaque couleur de la palette combinés en différents pourcentages avec la couleur dominante.

La première colonne de peinture dans chaque graphique est la teinte dominante mélangée avec uniquement du blanc. Commencez par peindre la boîte 5 - la boîte supérieure - juste à la sortie du tube afin qu'elle soit la couleur dominante unie. Ensuite, mélangez la couleur dominante avec beaucoup de blanc, de sorte que le mélange ne soit que légèrement plus foncé que le blanc. Ce mélange apparaît dans l'encadré 1 au bas du graphique. Maintenant, les encadrés 5 et 1 sont terminés. L'encadré 3 est un mélange homogène de blanc et de couleur dominante, par exemple le vert sapin. Les cases 2 et 4 se situent entre les valeurs de 1 et 3 et 3 et 5, respectivement. Plisser les yeux sur la colonne devrait révéler une gradation uniforme des couleurs de haut en bas. Mélangez maintenant les couleurs de la deuxième colonne.

Le reste des colonnes sont des combinaisons de la couleur dominante avec d'autres couleurs, par exemple le vert sapin avec l'outremer profond, le vert sapin avec la lumière bleu cobalt, le vert sapin avec le viridian, etc. «Il n'y a pas de moyen idéal pour peindre des tableaux de couleurs», a rappelé Thies aux élèves, «soyez patient avec vous-même. C'est un processus long, mais les résultats sont magnifiques et très satisfaisants. "

La source: Tiré d'un article d'Edith Zimmerman, numéro d'automne 2006 de Atelier

Dix conseils de peinture à l'huile

L'artiste Randall Sexton a inspiré d'innombrables étudiants avec ses cours de peinture à l'huile. Voici quelques-uns de ses conseils de peinture à l'huile préférés qui déclencheront à coup sûr les meilleures pratiques dans votre art.

  1. Gardez votre palette de peinture à l'huile organisée avec les peintures disposées de la même manière chaque fois que vous travaillez.
  2. Prémélangez des tas de peinture qui représentent les grandes «pièces du puzzle» ou les grandes masses de votre composition, en commençant par les couleurs que vous connaissez et en progressant vers celles que vous ne connaissez pas.
  3. Soyez conscient des changements de couleur sur les bords des formes, qui donneront forme et volume à vos formes.
  4. Si vous voulez voir les formes à plat, fermez un œil.
  5. Faites d'abord des relations de couleurs sur votre palette, puis essayez de tester des taches sur votre toile.
  6. Travaillez sur de très petits panneaux sur place pour expérimenter la couleur plutôt que sur votre surface finale.
  7. Créez des nuanciers qui relient les différentes couleurs de votre palette.
  8. Restez fidèle à une palette limitée.
  9. Gardez une main sur le volant, regardez le miroir et la côte. En d'autres termes, détendez-vous!
  10. Pour juger à la fois de la valeur et de la couleur, reculez de votre peinture pour porter un jugement final.

La source: Tiré d'un article écrit par Steve Doherty, numéro d'automne 2006 de Atelier.

Construire un centre d'intérêt dans une peinture à l'huile

Appelez cela la mise au point, le point focal ou le centre d'intérêt. Pour Doug Higgins, c'est une partie cruciale de la planification de ses peintures. Une fois qu'une scène le frappe et qu'il a une image claire de la composition dans son esprit, il installe son chevalet mais Higgins dit qu'il n'accepte jamais la nature comme elle vient. «Je sais que je peux changer la scène - inventer, éliminer certaines choses, simplifier d'autres, déplacer des éléments, éclaircir ou neutraliser des couleurs - pour servir l'idée de la peinture», dit-il. «J'équilibre et je conçois soigneusement les éléments. Mon objectif est la simplicité. La complexité est facile: tout le monde peut y parvenir grâce à une copie irréfléchie des détails. Vous avez besoin de stratégies intelligentes pour rester simple. »

Parce que Higgins commence avec une image d'une peinture dans son esprit, il n'a pas besoin de croquis miniatures. Ses premières considérations sont d'établir le point focal, de localiser la ligne d'horizon et de placer les plus grandes masses. «Une peinture n'est pas une collection de pièces, mais une construction», dit-il. «J'établis des masses très tôt, je m'en tiens à ces décisions et je retiens ces masses en utilisant des valeurs proches.»

Higgins dessine ensuite les éléments principaux avec une petite brosse douce. L'étape suivante consiste à appliquer une fine couche de térébenthine avec une grosse brosse en utilisant des couleurs transparentes - cramoisi alizarine, terre de Sienne brûlée, bleu outremer et viridian pour les ombres et les couleurs locales chaudes dans les zones claires - pour établir les formes principales. Une fois cette étape accomplie, l'artiste essuie sa planche avec une serviette en papier, créant une intéressante variété de couleurs. À l'aide de peintures plus épaisses, il commence par le point focal, le complétant avant de passer à d'autres domaines. En établissant sa lumière la plus claire, son obscurité la plus sombre et son niveau de détail et de contraste le plus élevé au centre d'intérêt, il établit des normes permettant de juger les parties subordonnées de la peinture.

Parce que l'œil est attiré par le contraste, Higgins utilise le contraste le plus fort dans les valeurs, les couleurs, les bords, les textures et le degré de détail dans son centre d'intérêt. Les éléments linéaires dirigent l’œil du spectateur vers le point focal. Pour empêcher le spectateur d'être distrait par le premier plan, il simplifie et résume cette zone. Parfois, Higgins fait des figures le foyer secondaire. L'artiste utilise également des points focaux secondaires pour équilibrer la peinture à l'huile et éviter d'alourdir une partie de l'image.

La source: Extrait d'un article pour Artist Daily écrit par Linda S. Price

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