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25 peintures acryliques de 25 meilleurs artistes

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Admirez plus de deux douzaines de peintures acryliques inspirantes

Si vous voulez parler d'une histoire à succès de l'art moderne, ne cherchez pas plus loin que le pinceau le plus proche chargé de peinture acrylique. C'était le médium choisi par des artistes célèbres du XXe siècle comme Andy Warhol et Mark Rothko. Il a mis des milliers (et ça compte!) D'artistes contemporains sur la voie de l'excellence.

AcrylicWorks 6: Énergie créative, un livre digne de fierté, met en valeur cette excellence en présentant les peintures acryliques gagnantes du dernier concours d'art AcrylicWorks.

Profitez de 25 peintures acryliques de 25 artistes entrants dont les œuvres couvrent la matière et le style, mais toutes offrent toujours la puissance du «meilleur de l'exposition».

Et si vous aimez l'acrylique et que vous souhaitez simplement parcourir des dizaines et des dizaines d'œuvres plus inspirantes, ou si vous êtes un peintre acrylique souhaitant perfectionner vos compétences, ces ressources artistiques et inspirations vous attendent: AcrylicWorks 5.

#1 Lâcher prise par Randy L. Honerlah

On voit ce qui vient à l'esprit. une abstraction d'arbres atteignant le ciel et libérant leurs feuilles, ou un réveil courageux pour lever les yeux, respirer profondément et élargir votre conscience. Nous pouvons apprendre de la nature des arbres, en restant ancrés quels que soient les obstacles de la vie.

Le jeu de valeur des couleurs claires et foncées aide à représenter ces concepts. La décomposition des formes, des couleurs et des valeurs adjacentes dans cette œuvre révèle ces idées et la maintient fraîche et édifiante.

#2 Lanternes par April M. Rimpo

Ce qui semble au premier abord être noir, ce sont vraiment des couches de violet, de bleu de phtalo et d'autres pigments foncés pour construire progressivement les zones les plus sombres. Les gris plus légers ont également été mélangés à l'aide de bleu de cobalt, de corail de quinacridone et d'or de quinacridone.

Rimpo crée ses propres gris et noirs en mélangeant les couleurs. Le résultat est beaucoup plus riche que l'utilisation de tubes noirs ou gris.

#3 Plumes fantaisie par Cher Anderson

Plumes fantaisie était le résultat d'heures d'attente pour capturer le moment parfait où le fl amingo ouvrait son aile et affichait le spectre des valeurs de la lumière, du rose tendre au noir profond et toutes les couleurs entre les deux. Sa tête se cambre et son bec sombre se lissant crée un effet dramatique et affiche une beauté rarement vue.

La peinture à l'acrylique permet la liberté de superposer des lavages de couleur très minces et de construire lentement la forme et la forme pour une transition en douceur de la lumière à l'obscurité. Il donne également l'opacité et l'intensité à la couleur, nécessaire pour donner vie au sujet de manière réaliste.

#4 Facture par Michael Wagner

Il y a beaucoup de couleurs et de textures dans les tons chair de la plupart des portraits. Wagner trouve quand il l'applique librement qu'il semble plus réaliste et luxuriant.

il peint Facture avec une gamme complète de valeurs de couleur, et la texture et la couleur utilisées pour obtenir un attrait photoréaliste. Le détail apparent des rides, plis et traits intéressait l'artiste.

#5 Nature artificielle par Jingyi Wang

Pour Wang, les cactus représentent toutes les créatures de la nature. À travers les caractéristiques fortes et indépendantes que représentent les cactus, l'artiste espère exprimer l'impact de l'activité humaine sur la nature. L'ombre projetée à l'arrière-plan est en fait une image distincte et représente que le cactus se développe dans un environnement irréaliste et non naturel.

#6 Jaune moelleux # 1 par Scott Ramsay

La valeur clé est très importante pour définir l'ambiance de cette pièce. Avant même que la peinture ne soit envisagée, Ramsay a décidé d'utiliser des valeurs dominantes de jaune vif.

L'artiste a voulu utiliser des jaunes chaleureux et chaleureux pour attirer le spectateur. Inversement, il a utilisé des valeurs neutres pour refroidir dans les ombres pour ponctuer les détails.

#7 Effet papillon par Yelena York

Effet Butterfly est créé à main levée à partir de l'imagination de l'artiste. Chaque modèle a été développé au cours du processus. Rien n'a été esquissé avant de commencer la pièce.

Le travail se fait avec des peintures acryliques, parfois mélangées à différents médiums pour créer des effets vibrants et translucides sur les ailes.

#8 Poteau utilitaire par Jim Martinez

Martinez voulait incorporer un peu d'humour et donner au sujet une sensation électrique. L'utilisation de valeurs audacieuses était essentielle en ce sens qu'elle attirait l'attention sur un objet qui n'était pas conçu pour être esthétique. Cependant, quand il est regardé à travers un autre objectif, cela devient assez intéressant.

#9 Crystal Blue Persuasion par Deborah B. Leonard

Un ruisseau partiellement gelé a inspiré Leonard pour ce travail. Les niveaux variables de cristaux de glace, de neige et d'eau sombre devaient tous être capturés.

Elle a utilisé plusieurs brosses différentes pour construire la combinaison de zones rapides et partiellement statiques. Les différentes nuances de bleu - du blanc profond au blanc presque pur - véhiculent la froideur. Les tons plus chauds font un clin d'œil aux feuilles en décomposition et aux aiguilles de pin qui se trouvaient sur les rives peu profondes.

#10 Bois 1 par Ellen Fuller

Cette peinture fait partie d'une série sur laquelle Fuller travaille actuellement. Il était basé sur des photographies qu'elle avait prises de barricades en bois dans le parc national de Canyonlands en Utah.

L'artiste a décidé de n'utiliser que de la peinture acrylique noir et blanc car elle pensait que la couleur pouvait affaiblir l'effet dramatique des surfaces nuancées du bois. En enlevant la couleur, elle a pu se concentrer sur les moindres détails, la composition et les coups de pinceau, ce qui lui a donné une compréhension complète des textures fascinantes de l'écorce.

#11 Série Oaxaca # 5 par Robert Merrill Sweeny

Sweeny’s Oaxaca est le produit d'un groupe de photographies prises alors que l'artiste était en vacances à Oaxaca, au Mexique. Il a toujours ressenti une affinité pour les arts imprimés, qui sont très populaires à Oaxaca au point de se répandre dans les rues sous forme de graffiti.

Dans cette pièce, Sweeny a été attirée par les noirs riches de l'affiche en combinaison avec les merveilleuses ombres profondes projetées par le papier gondolé et la peinture écaillée.

#12 Frances (Série de portraits # 5) par Katia Zhukova

L'artiste travaille avec des acryliques lourds. La nature à séchage rapide des acryliques est parfaite pour sa technique, qui utilise de nombreuses couches à texture rapide appliquées avec des couteaux à palette et des pinceaux.

#13 Inconnue par Marney-Rose Edge

La texture est à la base de l'œuvre. Edge a utilisé de la pâte à mouler dans la zone du nid et du gel de goudron transparent a coulé sur la toile avant d'appliquer la peinture. Des feuilles d'or et d'argent sont dispersées sur tout le fond au milieu des couches de peinture.

L'artiste a utilisé de l'acrylique épais pour la couverture, puis a progressé vers des acryliques fluides pour la sensation éthérée en arrière-plan et des encres acryliques pour le glaçage des œufs.

#14 Le matin après la tempête de neige par Ray Hassard

L'artiste a appliqué une sous-peinture orange vif - le complément du bleu - comme élément unificateur. Vous pouvez en voir beaucoup sur le mur du garage, mais il jette un œil partout. Hassard a utilisé principalement des acryliques de corps lourds sans diluants ou autres médiums.

#15 Chutes de neige en soirée en Angleterre par Dale G. Wolf

Une soirée enneigée tombe tranquillement sur une ville anglaise «conceptuelle». L'ambiance anime les valeurs capturées dans la peinture: des tons sourds sur les toits, audacieusement mis en valeur par la neige qui s'accumule - orange, vert et jaune - sous le ciel gris-bleu juste avant que la nuit ne s'installe.

#16 Harbour Alliance par Jerry Smith

Bien que Smith utilise divers outils, textures et marques de détail, il a constaté qu’aucune quantité de détails ne peut surmonter un plan de faible valeur. Il commence par de grandes formes, travaille en couches et ajoute des textures et des détails au fur et à mesure.

En plus des pinceaux acryliques ordinaires, il utilise fréquemment divers outils de grattage, des objets d'estampage, du carton, un crayon à charbon Ritmo et des pinceaux rigger pour le dessin au trait.

#17 Tempête par Yael Maimon

L'ambiance dramatique de la scène, pleine d'énergie et d'excitation, a été définie par le sujet, la couleur et la valeur. L'artiste a manipulé la gamme tonale des valeurs claires, moyennes et sombres pour un effet maximal.

L'utilisation de valeurs audacieuses, d'arêtes vives et de forts contrastes a contribué au sentiment de violence, de rage et de danger (de la tempête qui approchait) dans la peinture et a créé un sentiment global puissant et dynamique.

#18 Rivière Sacramento # 3 par Timothy Mulligan

Sachant que la lumière contient toutes les couleurs d'un prisme et que l'œil ne voit que la couleur non absorbée par un objet, il est logique pour Mulligan que les objets soient plus colorés que ce à quoi on pourrait s'attendre. Ou que l'œil peut être entraîné à percevoir plus de couleurs.

Les ombres sont d'excellents exemples de structures de couleurs subtiles mais complexes. En utilisant ces principes, l'artiste inclut souvent des lignes colorées pour aider à séparer les objets d'une peinture et à représenter la profondeur.

#19 Continuez d'avancer par Darien Bogart

Communiquer les valeurs d'un soleil éclatant de midi est aussi difficile que l'expérience de la randonnée. L'application des outils de contraste, de forme et de texture permet à Bogart d'exprimer l'intégrité et la beauté robuste de cet espace.

Continuez d'avancer devient non seulement un mantra pour naviguer en plein air mais aussi le parcours artistique de Bogart.

#20 Frozen Ford Fairlane par Fred Schollmeyer

L'artiste utilise des couleurs de corps lourdes diluées avec de l'eau. Une grande partie de la peinture a été appliquée avec un aérographe Iwata Custom Micron. Le ciel, la limite des arbres et la neige ont été peints à l'aérographe à main levée.

Le film Frisket a été utilisé comme matériau de pochoir pour peindre l'automobile. Certains détails ont été peints à l'aide d'un petit pinceau conventionnel et Schollmeyer utilise une palette de 15 couleurs lors de la création de ses peintures acryliques.

#21 Verser la menthe poivrée par Angela Bandurka

Les valeurs sont la pierre angulaire de toute peinture. Pour les objets mouillés ou brillants, de bonnes valeurs sont essentielles! Bandurka a commencé par un croquis miniature pour planifier la conception de la pièce en fonction de trois valeurs: noir, gris et blanc.

Ces ombres et reflets sont des éléments importants de la conception, et pour les obtenir correctement, il faut travailler à partir de la vie car l'œil peut voir beaucoup plus de niveaux de valeur que l'appareil photo.

#22 Le Rouge Et Le Noir (diptyque) par Lilianne Milgrom

Milgrom s’efforce de faire en sorte que la silhouette d’une composition soit aussi frappante que l’exécution du sujet lui-même dans ses peintures acryliques.

Son diptyque, Le Rouge et le Noir, met en valeur le littoral attrayant de ces profils de jeunes femmes et de leurs chignons relevés. Il se concentre également sur les nuances du visage humain et ses subtils changements de valeur tonale.

#23 Magasinez 11 armateurs par Ron Craig

La lumière du soleil pénètre à travers des fenêtres sales donnant vie à l'espace autrement sombre. Il suscite la curiosité de l’artiste à propos des histoires qui se sont déroulées au cours des 100 ans d’utilisation continue de la boutique.

Pour capturer l'échelle, la lumière et l'ombre de l'usine, l'artiste a dû parcourir tout le spectre de la teinte. Toutes les couleurs étaient teintées par l'âge et le cinquième. Pour les assortir, Craig a mélangé de la peinture jusqu'au bord de la boue. L'architecture a nécessité non seulement une attention particulière aux points de fuite, mais également une subtile gradation de couleur pour suggérer la hauteur et la profondeur.

#24 Fille sur le canapé par Diana Madaras

Lorsque Madaras était à mi-chemin à travers cette peinture, elle sentait qu'il était trop serré, alors elle l'a «foiré». Le résultat final était une combinaison d'abstraction et de réalisme qui a créé une composition beaucoup plus excitante.

#25 Jack of Diamonds par Kenneth Hershenson

Hershenson utilise des images simples et nettes aux valeurs audacieuses pour évoquer l'hyperréalisme dans ses peintures acryliques. Il a choisi un éclairage qui crée des ombres fortes pour donner de la profondeur aux objets et un sentiment que le spectateur peut saisir les objets directement sur la toile.

La différence frappante entre le simple fond rouge profond et les objets brillants fait éclater la prise et les diamants. L'interaction de valeurs proéminentes dans la construction des diamants et des vérins donne une clarté presque liquide.

3 artistes acryliques plus acclamés

Les artistes contemporains qui utilisent l'acrylique sont à bien des égards en tête du peloton en termes de peintres faisant un travail exceptionnel et inhabituel. Jetez un œil à la vie et aux pratiques en studio de trois autres artistes de renom réalisant des peintures acryliques de différentes manières. Nous avons hâte de voir ce qu'ils feront ensuite.


Voir la vidéo: EXPLICATION DE LA TECHNIQUE DE LA PEINTURE AU TRAIT. 15 CONSEILS FACILES DE DESSIN POUR LES DÉBUT (Juin 2022).


Commentaires:

  1. Antalka

    Bon travail!

  2. Vanko

    Je m'excuse, mais à mon avis, vous vous trompez. Je peux le prouver.



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