Dessin

Photoréalisme décodé: océans de couches

Photoréalisme décodé: océans de couches


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Jesse Lane détaille ses techniques de superposition pour un portrait photoréaliste au crayon de couleur

Quand les gens pensent au crayon de couleur, ils pensent souvent aux gribouillis de couleur non qualifiés. Ces dernières années, cependant, les artistes ont commencé à ramasser leurs crayons et à briser les idées préconçues sur ce médium, en particulier en ce qui concerne le photoréalisme rendu de manière experte.

Alors pourquoi utiliser un crayon de couleur dans les beaux-arts? Un crayon de couleur peut être affûté jusqu'à un point précis, ce qui est formidable pour capturer des détails, ce qui en fait un outil idéal pour le photoréalisme. L'utilisation de plusieurs couches de crayon peut fournir des résultats riches avec peu ou pas de traces de lignes, et dessiner de cette manière rendra la pièce aussi vibrante qu'une peinture. Ce ne sont que quelques-unes des raisons pour lesquelles j'ai choisi le crayon de couleur comme principal moyen de communication artistique.

Techniques et matériaux

Il existe quelques techniques qui sont essentielles pour créer un travail réaliste au crayon de couleur. Le premier est la superposition. En appliquant légèrement plusieurs couches, les artistes peuvent réaliser des transitions douces en valeur et en couleur. Le crayon de couleur est solide et non liquide, il ne se mélange donc pas comme la peinture. La création de transitions douces nécessite une superposition cohérente avec une légère pression.

Pour une surface, je préfère un papier rugueux qui peut facilement gérer les couches, permettant des valeurs et des couleurs plus riches. Après avoir déposé quelques couches légères, je brunis. Il s'agit du processus de remplissage de la dent du papier afin qu'aucun papier ne transparaisse. Il permet plus de contraste et de saturation des couleurs. Le brunissage fait apparaître les dessins moins fanés et plus saisissants, comme une peinture. La clé est de brunir avec de nombreuses couches de pression légère et de ne pas compter sur une pression forte - comme c'est parfois tentant. L'utilisation de cette technique élimine la possibilité de marques de traits visibles, ce qui rend le photoréalisme plus réalisable.

Il existe différents types de crayons de couleur et chacun se comporte différemment. Un crayon doux applique la couleur rapidement, mais contient moins de pointe fine, il n'est donc pas idéal pour les détails. Un crayon dur est préférable pour les détails, mais pas très utile pour les tons de base et le mélange. Je trouve que Derwent Lightfast est le meilleur pour les détails, mais j'utilise également les lignes Coloursoft et Drawing de Derwent, ainsi que Prismacolor Premier.

Ma technique pour dessiner la peau consiste à faire des pointillés, en plaçant des milliers de petits points sur le papier. Je préfère généralement utiliser un crayon doux pour le pointillé afin d'éviter d'endommager le dessin.


Matériaux
  • SURFACE: Strathmore Bristol Board 500 Series vellum 4-ply
  • CRAYONS DE COULEUR: Derwent Lightfast, Derwent Coloursoft, Derwent Drawing, Prismacolor Premier
  • MISC .: Couteau X-Acto

Valeur et couleur

J'utilise également une technique appelée grisaille, dans laquelle je dessine toutes les valeurs de l'image dans des tons de brun avant d'ajouter de la couleur. Bien qu'il soit essentiel d'obtenir des couleurs riches dans une pièce finie, il est également important de réaliser que tout n'est pas saturé de couleurs. Dans certaines zones, les couleurs apparaîtront, mais dans de nombreuses zones, les couleurs seront plus atténuées. Laisser certaines couleurs reculer permet à d'autres de se démarquer, créant un point focal plus fort.

En réalité, aucun objet ou personne n'est d'une seule couleur, même si cela apparaît de cette façon. Tout contient des teintes variées. Les tons de peau contiennent principalement de la pêche, du bronzage et du brun. Il y a cependant des taches de couleur qui chuchotent leur présence. Dans mon travail, ces couleurs ont tendance à être roses, jaunes, violettes, orange, vertes ou grises. Beaucoup de mes élèves me diront qu'ils ne voient pas ces couleurs dans les tons chair, mais les inclure est en fait la clé pour faire un portrait réaliste. Avec le teint de base, ils contribuent à la représentation d'un visage organique et réaliste qui réalise un photoréalisme convaincant.

Tout dans les détails

Il y a un processus distinctif et important pour superposer avec un crayon de couleur. Les premiers calques sont plus visibles que les derniers, c'est donc une bonne idée de travailler du général au spécifique. Par exemple, je vais colorer le nez d'un sujet avec un ton de chair avant de dessiner dans les pores. Cela rend les couches finales subtiles. J'applique cette même technique pour dessiner les cheveux et les rides. Les détails sont toujours les derniers.

Le pigment de crayon de couleur est cireux et peut être gratté à des fins stratégiques. J'aime utiliser un couteau X-Acto comme outil de grattage. En grattant une fine ligne de couleur et en exposant le papier blanc en dessous, je peux créer des reflets réalistes dans les cheveux, par exemple, ou l'éclat sur une seule goutte d'eau. Les couteaux X-Acto permettent une précision extrême.

Bien qu'humble en apparence, le crayon de couleur s'avère capable de fournir des résultats étonnants, y compris un photoréalisme hautement accompli. Bien que la technique ne soit pas tout, elle est le messager de la voix de l’artiste et donc essentielle pour communiquer la vision unique d’un artiste.

Pas à pas: Abîme

Étape 1

Je veux que l’attention du spectateur soit concentrée sur le visage et les mains du sujet dans ce dessin, j’ai donc utilisé le plus de contraste dans ces zones. J'ai inclus des reflets blancs purs sur plusieurs des doigts du sujet, mais j'ai rendu les couleurs ici plus chaudes dans l'ensemble. Une grande partie de la composition tourne autour de cette zone.

Étape 2

Sur le corps du sujet, j'ai dessiné des reflets plus ternes avec moins de saturation. J'ai également ajouté des ombres jaunes à son corps pour indiquer la proximité des méduses. J'ai assombri son corps à l'approche du bord de la pièce pour empêcher l'œil du spectateur de couler sur l'image.

Étape 3

Les «têtes» de méduses se composent de deux parties: une fine couche externe et une couche interne. J'ai d'abord dessiné la couche intérieure. Pendant que je dessinais le calque extérieur, j'ai ajouté des reflets, des ombres et même des nervures pour rendre ce calque transparent.

Étape 4

J'ai utilisé une légère pression pour éviter les marques de trait dans les zones sombres et créé ce fond noir en une seule séance. J'ai découvert que si j'arrêtais de travailler sur un fond noir pendant quelques heures et que j'y revenais, une couture apparaît entre l'ancienne et la nouvelle section.

Étape 5

J'ai conçu les cheveux pour créer un halo autour de la tête du sujet, j'ai donc utilisé un couteau X-Acto pour créer des reflets qui courbent autour de son visage. Au fur et à mesure que les cheveux reculent, j'ai introduit le bleu pour une sensation de profondeur supplémentaire.

Étape 6

J'ai dessiné les bulles avec des bords durs et mous. Beaucoup d'entre eux sont plus larges que grands lorsqu'ils poussent vers le haut. Chaque bulle a du blanc sur le dessus avec un soulignement noir, et le milieu de chaque bulle est rempli de la couleur derrière pour l'effet de transparence. Le fond et les côtés des bulles reflètent les couleurs de leur environnement. J'ai joué ces réflexions pour améliorer la qualité magique du dessin.

Étape 7

Les tentacules étaient la partie la plus difficile de la peintureAbîme(crayon de couleur sur papier, 28 x 39). Ils sont composés de nombreux petits plis qui tissent et spiralent. J'ai utilisé une technique de grisaille ici, rendant les valeurs en premier et les couleurs en second. Les parties des tentacules qui se trouvent à côté des «têtes» de méduses reflètent le jaune vers le haut. Les tentacules deviennent plus bleues au fur et à mesure qu'elles s'éloignent et comportent des touches de couleur chair reflétées par le sujet. Tandis queAbîmeest réaliste, c'est clairement une interprétation rêveuse de la réalité. C’est ma vision d’un monde en apesanteur et tourbillonnant de bulles, de cheveux et de méduses, où la chaleur du sujet contraste avec la profonde obscurité de l’abîme.


À propos de l'artiste

Jesse Lane (jesselaneart.com) a reçu de nombreux éloges pour ses portraits irrésistibles, notamment les récompenses les plus prestigieuses du Salmagundi Club, de la Colored Pencil Society of America et de l'International Guild of Realism. L'artiste vit à The Woodlands, au Texas, et enseigne des ateliers dans tout le pays afin de faire avancer le crayon de couleur en tant que support artistique. Il est représenté par la RJD Gallery de New York.

Cet article a été publié pour la première fois dans Magazine des artistes, novembre 2019 problème.


Voir la vidéo: WE TAKE OCEAN SOUL. A CLOSER LOOK (Mai 2022).