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Cet automne, trouvez une nouvelle inspiration d'une icône vénérable de l'automne par McKenzie Graham Ceci est un extrait de The Artist’s Life in Magazine (octobre 2013). Cliquez ici pour lire le numéro complet. La courge est un humble légume. Il est soumis chaque année à des mains avides équipées de couteaux à découper, puis il est inévitablement laissé pourrir sur les vérandas à travers l'Amérique, tandis que notre attention se porte sur les plantes à feuillage persistant.

L'Encyclopedia Britannica définit la peinture sur nature morte comme «la représentation d'objets de matière inanimés pour leurs qualités de forme, de couleur, de texture et de composition». La peinture sur nature morte s'est développée comme un genre indépendant pendant la période de la Renaissance de la peinture occidentale. Bien qu'il ait parfois lutté pour devenir un genre de peinture sérieux, le genre a toujours été extrêmement populaire auprès du public et occupe une place respectée parmi les musées d'art les plus prestigieux.

Tomie dePaola talks to another master illustrator, Will Hillenbrand, about the imperative of the picture book: being faithful to the heart—and to the delightful responsibility to enthrall and entertain.Among Tomie dePaola’s many awards are the Smithson Medal from the Smithsonian Institution, the Kerlan Award from the University of Minnesota, and the Regina Medal from the Catholic Library Association.

Une peinture est-elle terminée lorsque vous manquez de peinture, de lumière du soleil, de temps ou d'énergie? L'une des questions que les étudiants me posent le plus souvent lorsque j'enseigne est: «Quand la peinture est-elle terminée?» C'est une question vraiment difficile à répondre car elle est personnelle. Comment Vermeer a-t-il su quand sa fille avec une boucle d'oreille en perle était terminée?

Engagé dans sa propre version du voyage dans le temps, David Ligare, avec son obsession avouée de l'ancienne culture gréco-romaine, crée ses peintures exquises dans une recherche d'unité primitive. Lisez la démo étape par étape ci-jointe: «Literate Landscapes» de Richard Stull est apparu pour la première fois dans Magazine (mai 2013).

La ville de Calgary a connu un grand nombre de plaintes concernant la sculpture publique nouvellement installée intitulée Travelling Light (faites défiler vers le bas pour les liens sur la sculpture) En raison de la forte polarisation des opinions des citoyens locaux et nationaux, «ce qui est art» est devenu un sujet brûlant dans les cafés locaux et les refroidisseurs d'eau de bureau.

L'artiste le plus fidèle de McKenzie GrahamOne prend sa peine pour les animaux abandonnés sur toile, enseignant la compassion un portrait à la fois. Cet article est tiré du Magazine (avril 2014). Pour vous abonner, cliquez ici.S'il existe une règle universelle pour la création d'un manuel d'histoire de l'école primaire, ce doit être de parsemer chaque chapitre de portraits de la famille royale du XVIe siècle, donnant un visage à l'ancien (et depuis longtemps obsolète dans la plupart des esprits). jeunes lecteurs).

Rejoignez Magazine pour accueillir notre artiste du mois de février, Barbara Jaenicke! Jaenicke a été finaliste du 30e concours annuel d'art du magazine. Sa peinture, Daybreak Shadows (pastel, 8 × 10) est ci-dessous. Continuez à faire défiler pour voir ce que Jaenicke a à dire sur l'art et la vie.www.barbarajaenicke.

Dans le numéro de juin 2015 du Pastel Journal, cinq paysagistes primés - Lorenzo Chavez, Liz Haywood-Sullivan, Barbara Jaenicke, Kim Lordier et Richard McKinley - décrivent le pouvoir de peindre en plein air et partagent des conseils et des idées rassemblés au cours d'années expérience de peinture.Parce que l'un des aspects les plus intimidants de la peinture sur place est de savoir quoi emballer, nous avons demandé aux artistes de décrire leur boîte à outils de plein air de base: Kim Lordier: J'utilise un chevalet tout-en-un 16 × 20, un Manfrotto trépied, une petite quantité de turpénoïde, une brosse en poils de porc, des lingettes pour bébé, une serviette, du ruban adhésif, un insectifuge, un écran solaire, un chapeau, un parapluie et un petit rouleau de papier toilette.

"Je suis fasciné par la façon dont nos activités quotidiennes établissent l'identité d'une manière spécifique: je cherche à établir une relation entre le sujet et sa place dans la société, y compris des indices de l'environnement impliquant ce que chacun est façonné et peut-être défini par." Cesar SantosDans cet extrait du Magazine, Cesar Santos nous guide pas à pas dans son processus de création de portraits classiques, en l'occurrence un autoportrait.

Dans le numéro de juin 2015 de Pastel Journal, nous avons interrogé cinq artistes paysagistes de renom - Lorenzo Chavez, Liz Haywood-Sullivan, Barbara Jaenicke, Kim Lordier et Richard McKinley - sur l'ingrédient le plus important pour réussir une sortie en plein air? Voici un échantillon des réponses - et une galerie avec certains de leurs travaux en plein air: Kim Lordier: Je prends juste le temps de tout ralentir.

Les figures contemplatives et les paysages aquatiques maussades de l'artiste britannique David Brayne véhiculent des récits lyriques confiés à l'interprétation du spectateur.Bien que les surfaces texturées et l'imagination puissent être au cœur du travail de Brayne, cela ne signifie pas qu'il n'est pas influencé par son environnement. À ce stade de sa carrière de peintre, son travail était très minimaliste - et tout sur l'étendue et le vide.

Note de l'éditeur: maintenant disponible! La collection Art Business Booster: Career Success in 2016, mettant en vedette Lori’s Fine Art Tips et plus, uniquement chez North Light Shop.Lorsque vous passez du novice à l'artiste professionnel, vous devez être habile à développer une série professionnelle d'œuvres d'art. Vous devrez savoir ce que vous allez peindre, pourquoi et comment.

Le tableau d'Alan Larkin, Time Piece, illustré ci-dessous, est le lauréat du prix du fondateur du journal Pastel de cette année (à la mémoire de Maggie Price) dans le cadre du 17e concours annuel Pastel 100. La pièce présente un assemblage magique d'objets, peints dans un format haut et étroit, qui encourage une perspective et une exploration uniques.

Mike Kowalski aime les innombrables défis - et les récompenses qui en résultent - de peindre à l'extérieur pour capturer la lumière et l'espace dans ses aquarelles. Travaillant dans les contraintes naturelles de la peinture en plein air - avec son manque de temps, sa lumière changeante et ses conditions imprévisibles - l'artiste parvient toujours à trouver des compositions intrigantes dans lesquelles il structure l'espace et la lumière pour réaliser des scènes satisfaisantes et engageantes.

Graham Flatt s'appuie sur une manipulation de peinture nettement peu orthodoxe pour ses paysages pastel et aquarelle, ainsi que sur le pouvoir de la suggestion, pour recréer le monde aventureux de la frontière américaine. Les peintures de Flatt dépeignent une relation entre l'homme et la nature que peu d'entre nous connaissent aujourd'hui. Cowboys et Amérindiens parcourent de vastes paysages.

Le dernier numéro du magazine de dessin est consacré à la beauté des carnets de croquis: il explore comment esquisser un large éventail de sujets et utiliser les carnets de croquis de différentes manières. Nous présentons ici cinq conseils partagés par nos artistes vedettes; pour lire leurs leçons complètes et voir beaucoup plus de leur travail, acheter ou télécharger le numéro.

Mikela Henry-Lowe partage son processus et sa passion pour la couleur.Magazine (TAM): Parlez-nous de votre éducation.MIKELA HENRY-LOWE (MHL): J'ai appris à peindre de mes classes au lycée. On m'a enseigné la théorie des couleurs, quelles couleurs fonctionnent bien avec d'autres couleurs et pourquoi, et je garde toujours cela à l'esprit lorsque je travaille sur mes propres projets.

L'artiste Fred Dalkey de Sacramento, en Californie, a passé une grande partie de sa carrière à créer des dessins Conté lumineux de figures et de natures mortes. Le dernier numéro du magazine Drawing comprend une interview de l'artiste, et nous sommes ici heureux de partager une partie de cet article, accompagné de vues détaillées de plusieurs œuvres de l'artiste, nous permettant de mieux comprendre les innombrables marques fines qui font les délicates zones de ton des dessins.

Graveur, dessinateur et artiste des médias mixtes, Sean Caulfield est notre artiste nouveau et remarquable pour le numéro d'hiver 2017 de Dessin. Le travail de Caulfield ne peut être limité à une seule catégorie, car il combine les pratiques traditionnelles de dessin et de gravure avec des éléments de sculpture, d'installation et d'art numérique. Caulfield incorpore des formes naturelles et anatomiques dans des compositions intrigantes, ambiguës et parfois troublantes, et souvent complétées à une échelle incroyable.